Содержание:

Введение…………………………………………………………………………..3.

1. Натюрморт как жанр изобразительного искусства.

1.1 Особенности натюрморта как жанра изобразительного искусства………..

………8

1.2 История развития и становления натюрморта как вида изобразительного

искусства……………………………………………………………………..…10

1.3 Композиционные особенности

натюрморта…………………………....................19

1.4 Художественные материалы и техники, используемые при изображении

натюрморта.........................................................................................................22

2.

Заключение…………………………………………………………………….……

Список используемой литературы……………………………………………..

Приложение…………………………………………………………………………

Введение.

Одной из важнейших задач образования является всестороннее развитие

личности

ребенка.

Особая

роль

в

эстетическом

воспитании,

при

формировании мировоззрения и национально-культурного самосознания,

принадлежит искусству. Характерная особенность искусства – отражение

действительности

в

художественных

образах,

которые

действуют

на

сознание и чувства ребенка, воспитывают в нем определенное отношение к

событиям и явлениям жизни, помогают глубже и полнее познавать

действительность.

Влияние искусства на становление личности человека, его развитие очень

велико. Ребенок предрасположен к восприятию прекрасного и способен

тонко

чувствовать

красоту.

Эстетическое

образование

предполагает

ознакомление с разными видами искусства, накопление эстетических

впечатлений и образов, пробуждение интереса к произведениям искусства,

первые шаги к осознанному творческому процессу, воспитание грамотного

зрителя, способность понимать, созерцать и оценивать произведения

искусства, воспитание видения прекрасного во всех жизненных проявлениях.

Произведения живописи, богатые по своему идейному содержанию и

совершенные по художественной форме, формируют художественный вкус,

способность понять, различить, оценить прекрасное не только в искусстве, но

и в действительности, в природе, в быту. Живопись воссоздает все богатство

и многообразие мира. Средствами живописи воссоздается реальный мир с

пространственной

глубиной,

объемом,

цветом,

светом,

воздухом.

Изобразительная

деятельность

школьников

как

вид

художественной

деятельности должна носить эмоциональный, творческий характер. Педагог

должен создавать для этого все условия: он, прежде всего, должен

обеспечить

эмоциональное,

образное

восприятие

действительности,

формировать эстетические чувства и представления, развивать образное

мышление и воображение, учить детей способам создания изображений,

средствам

их

выразительного

исполнения.

Процесс

обучения

должен

быть

направлен

на

развитие

детского

изобразительного творчества, на творческое отражение впечатлений от

окружающего

мира,

произведений

литературы

и

искусства.

Одним из видов изобразительного искусства является натюрморт - «мертвая

природа», изображение неодушевленных предметов, объединенных в единую

композиционную группу. воспитания и развития изобразительных навыков у

школьников.

Глава

I.

Натюрморт

как

жанр

изобразительного

искусства

1.1

Особенности

натюрморта

как

вида

изобразительного

искусства

Термин «натюрморт» происходит от французского nature morte -

«мертвая природа». Обозначает изображение неодушевленных предметов,

объединенных в единую композиционную группу. Мир вещей в натюрморте

всегда призван раскрыть их объективное своеобразие, неповторимые

качества, красоту. Вместе с тем, это всегда человеческий мир, выражающий

строй мыслей и чувств, отношение к жизни людей определенного общества.

В чем же состоит отличие этого жанра от других? Что может дать живописцу

изображение неодушевленных вещей? В отличие от портретной живописи,

имеющей дело только с человеком, или пейзажем, воссоздающего природу и

архитектуру, натюрморт может состоять из различных вещей домашнего и

личного обихода человека, элементов растительного мира, произведений

изобразительного искусства и многого другого. Натюрморт больше чем

какой-либо другой жанр ускользает от словесных описаний. Натюрморт надо

внимательно смотреть, разглядывать, погружаться в него, так как он учит

постигать живопись, любоваться его красотой, силой, глубиной - только так

постигается истинное содержание любой картины, ее образ. В натюрморте

живописец обращается к миру неодушевленных вещей, выделяя их из всего

богатства

окружающего

мира.

Натюрморт отличается особыми принципами построения композиции

при всем различии исторических и индивидуальных форм этого жанра на

разных этапах его развития. Предметы здесь взяты обычно вблизи, так что

взгляд может их как бы ощущать, оценить в первую очередь их собственно

материальные качества - их тяжесть, пластику форм, рельеф и фактуру

поверхности, детали, а также их взаимодействие со средой - их жизнь в

среде. Масштаб композиции в натюрморте ориентирован обычно на размер

комнатной малой вещи, откуда большая интимность натюрморта по

сравнению с другими жанрами. При этом сама форма натюрморта глубока и

многоярусна,

многосложна

и

содержательна:

структура

натюрморта,

постановка, выбор, точка зрения, состояние, характер трактовки, элементы

традиции. В натюрморте художник не просто изображает предмет, но

посредствам их выражает свое представление действительности, решает

разнообразные

эстетические

задачи.

Как самостоятельный жанр искусства натюрморт сильно воздействует на

зрителя, поскольку вызывает ассоциативные представления и мысли во

время восприятия неодушевленных предметов, за которыми видятся люди

определенных

характеров,

мировоззрений,

различных

эпох.

Влияние

натюрморта зависит, прежде всего, от верно выбранной и правильно

раскрытой темы, а также от особенностей творческой индивидуальности того

или

иного

художника.

Данный

жанр

позволяет

с

помощью

простых

предметов

создавать

определенное настроение, образ. Натюрморт на протяжении всей своей

истории развития содержал в себе символику, то есть определенные

предметы имели определенное значение. С помощью данного жанра

художники

передают

свое

отношение

к

окружающему

миру.

Натюрморт,

как

ни

какой

другой

жанр

непосредственно

связан

с

соотношением к изображению, к решению определенной изобразительной

задачи. При всем разнообразии, огромном количестве разновидности

натюрморт остается «малым жанром», но именно этим и ценен, потому что

обращает живопись, прежде всего к самой себе и ее вечным ценностям и

проблемам, воздействующего на зрителя в результате ассоциативных чувств.

Методы и приемы изображения, разрабатываемые в жанре сюжетно-

тематической картины, портрета, переносились в область натюрморта.

Именно

здесь

вырабатывается

основной

тип

натюрморта

с

четким

трехплановым

членением

пространства,

с

ясно

выраженным

композиционным

центром.

По классической схеме построения центр композиции картины помещается

на среднем плане; передний план заполняется дополнительными мелкими

предметами, служащими вводом в изображение. Роль третьего плана

выполняет

фон,

который

надлежало

писать

в

виде

нейтрального

пространства.

Разрабатываемые в голландском искусстве художественные принципы во

многом предопредели дальнейшее развитие натюрморта. Его основными

качествами были: реализм, тонкость наблюдения жизни, умение подметить и

передать

эстетическую

ценность.

Для

создания

своих

произведений

художники

избирали

предметы,

используемые в повседневном быту, однако составляли их с большим

вкусом,

стремясь

достичь

гармонии

и

изящества

всей

группы.

Излюбленными мотивами изображения у голландских мастеров были

«завтраки» с небольшим набором предметов. С большим мастерством и

изяществом передавался материал предметов - стекло, металл, керамика. В

проработке

формы

использовались

приемы

многослойной

живописи-

прописи, лессировки, позволяющие добиваться предметной убедительности

изображения.

Другой важной особенностью голландского натюрморта следует считать то,

что художники сумели наполнить его смысловым содержанием. В любом

натюрморте этих мастеров раскрывается неразрывная связь человека с

окружающим миром. Во всем этом проявляется здоровое оптимистическое

восприятие жизни, искреннее желание показать, как щедра природа, как

трудолюбив

и

талантлив

человек.

Наиболее полно это радостное ощущение жизни проявилось в творчестве Ф.

Снейдерса. Он пишет большие монументальные полотна, предназначенные

для парадных дворцовых помещений. Широко известны его картины

«Рыбная

лавка»,

«Фруктовая

лавка»

,

«Овощная

лавка».

Строгая

продуманность

композиции

в

работах

художника

сочетается

с

декоративностью живописи, насыщенностью колорита. Это уже не скромные

«завтраки», которые пишут А.Бейерен или П. Класс, а произведения,

созданные воображением и фантазией художника. Так же, как и в других

картинах голландских художников, в натюрмортах Снейдерса большое

внимание уделено проработке рисунка и передаче материальности предмета.

Однако при тщательности проработки формы он не утрачивает цельность

художественного образа. До сих пор натюрморты Снейдерса радуют нас

реалистичным

изображением.

В XVII в. Складываются главные черты натюрмортного жанра. В нем

работают такие видные мастера живописи, как Рембрант, Сурбаран, Переда.

Всех их объединяет общее стремление - показать гармонию мира вещей,

окружающих человека, красоту их форм и материала. Сформулированные в

практической деятельности художников задачи искусства натюрморта

существовали и в дальнейшем, но решение их не повторяло прошлого опыта,

а

осуществлялось

новыми

средствами

в

соответствии

с

новыми

требованиями

времени.

Значительный вклад в равитие натюрморта внес французский художник XVII

в Ж.-Б. Шарден, вошедший в историю мировой живописи как мастер

бытовой жанровой картины. Свои натюрморты он пишет с предметов

скромного домашнего обихода, привнося в них большую одухотворенность и

простоту композиции. Замечательными образцами этого типа натюрморта

являются «Медный бак» , «Натюрморт с коробкой, трубкой и кувшином».

Простота и классическая ясность композиции отличает и натюрморты,

объединенные под общим названием «Атрибуты искусства». Характерным

для живописи Шардена является совершенство и разнообразие приемов,

используемых для передачи материала предметов в их неразрывной связи с

воздушной средой. Развивая принципы реалистического искусства, Шарден

вместе с тонким колористическим видением натуры внес в натюрморт и ту

особую одухотворенность, которая составляет отличительную особенность

искусства

этого

мастера.

Но не всегда и не у всех художников задача раскрытия социального

содержания жизни посредством «говорящих вещей» была главной в создании

произведения. Менялись вкусы, эстетические представления, менялось и

отношение к окружающей действительности. Художники стали подмечать в

окружающей жизни иные качества материального мира. Важной проблемой

становится среда, в которой находится предмет, передача света, воздуха,

образа

природы.

Начиная с середины XIX в. Сильное влияние на судьбы искусства стал

оказывать импрессионизм. Старым академическим традициям, которые к

этому времени выродились в крайне условные формы салонного искусства,

импрессионисты противопоставили свое понимание живописи. К. Моне, А.

Сислей и другие художники обратились в своем творчестве непосредственно

к работе над природными мотивами, ставили и решали проблему создания

живописного изображения спектрально чистым красками. Их главной

заботой было воспроизведение на картине быстро меняющегося состояния

природы; сам же предмет изображения с его объективными свойствами

утратил былое значение, как бы растворился в световоздушной среде.

Живописная

система

импрессионизма,

получившая

наиболее

полное

развитие в пейзаже, неизбежно затрагивала и область натюрморта. И здесь

художники, увлеченные идеей цвета и света, стремились передать не сами

свойства предмета, а мимолетную игру световых и цветовых пятен на его

поверхности. Этим объясняется резкое снижение интереса к содержательной

стороне

искусства,

к

объективной

оценке

действительности.

Надо

отметить,

безусловно,

положительную

роль,

которую

сыграл

импрессионизм

в

искусстве.

За

счет

обогащения

цветовой

палитры

художники значительно расширили свои живописные возможности, активно

используя

в

создании

художественного

произведения

цвет,

его

изобразительные

и

психологические

свойства.

Однако развитие жанра натюрморта следует видеть не в русле общего

движения импрессионизма, а скорее на пути преодоления его узких мест,

связанных, в частности, с разрушением объемной формы. Известной

реакцией на разрушение формы импрессионистами явилось искусство

П.Сезанна, много работавшего как в области пейзажа, так и в области

натюрморта.

Испытав в начале пути сильное влияние импрессионистов, Сезанн пришел к

логическому отрицанию их метода. В создаваемых им многочисленных

натюрмортах зрелого периода, он стремился найти пути и средства передачи

объективных свойств предмета – объема, материала, цветовой устойчивости

в его характеристике. Для решения поставленных задач художник использует

в основном выразительные возможности цвета, главным образом закон

цветовых

контрастов.

П. Сезанн: «Не существует линий, не существует светотени, существуют

лишь контрасты красок. Лепка предметов вытекает из верного соотношения

тонов».

Метод Сезанна основан на точном определении планов. Составляющих

конструкцию объема, где каждый цвет-мазок должен выражать изгиб,

поворот формы в соответствии с количеством полученных световых лучей. В

таком аналитическом подходе к изображению натуры состоит главная

положительная

особенность

живописи

художника.

Несмотря

на

его

рационализм в создании живописной формы, стремление к передаче

пластики объема предмета, его материальной сущности остается главным

мотивом в работе над натюрмортом. В лучших своих произведениях мастер

обнаруживает

глубокое

понимание

задач

реалистического

искусства,

достигая

вершин

живописного

мастерства.

Другую ветвь французского натюрморта, резко расходившуюся как с

методом импрессионистов, так и с творческими устремлениями Сезанна

представляет искусство А. Матисса. Основу его составляет декоративно-

плоскостное видение художника. Натюрморт воспринимается им как система

плоских цветовых пятен, где предметы как бы проецируясь на плоскость,

обозначаются четко очерченными силуэтами. Если Сезанн использует цвет в

целях построения объема на плоскости, то Матисс, напротив, решительно

отказывается от изображения объема. Разрушение объема сопровождается

нарочитой деформацией рисунка. Живописные интересы Матисса не шли

дальше

нарядно

оформленной

композиции.

В конце XIX в начале XX в. художественная культура Западной Европы, а

вслед за ней и России сделала резкий крен в сторону субъективных поисков в

области

формальных

средств

живописи.

Крайним

выражением

этих

устремлений был такие направления как кубизм, фовизм, супрематизм.

К жанру натюрморта обращаются художники самых разных стилистических

направлений. Они экспериментируют с формой, цветом и пространством,

увлекаются поиском разнообразной фактуры. Натюрморт выполняется и в

строгой реалистической манере, и в декоративной, и в манере кубизма.

Изображение прекрасного мира вещей увлекало многих художников. В

русском искусстве П. Кончаловский, И.Машков, Р.Фальк, К.Петров –

Водкин,

Ю.Пименов

и

другие

создали

великолепные

натюрморты,

раскрывающие не только красоту вещей, но вместе с тем и мир человека, его

мысли и чувства. Каждый художник нашел для решения этой сложной задачи

свои выразительные средства. Порой человек незримо присутствует на

картине, и, кажется, что он только что вышел и может вернуться в любой

момент.

Например,

на

картине

Ю.Пименова

«Ожидание»

[Приложение

1.3]

изображен одиноко стоящий телефонный аппарат со снятой трубкой, а капли

дождя

на

оконном

стекле

подчеркивают

тоскливость

ожидания.

В ином типе натюрморта вещи говорят, прежде всего о себе, предлагают

полюбоваться красотой их форм, цвета, фактуры. Например, полотно

И.Машкова

«Снедь

московская.

Хлебы»

словно

передает

аромат

свежеиспеченного хлеба. Мир вещей в натюрморте всегда выражает внешние

приметы

жизни

определенной

исторической

эпохи.

В сложном процессе поисков «нового» плодотворным было то, что наряду с

бесплодным

экспериментаторством

в

сферу

поисков

новых

средств

живописи вовлекались здоровые творческие силы. Наиболее творческие,

талантливые из них, отдав дань формальным экспериментам, становились на

твердую почву реализма и создавали яркие по содержанию и форме

художественные

произведения.

На

этой

почве

выросло,

развилось

замечательное искусство натюрморта в России, лучшими представителями

которого были К.Коровин, И.Грабарь, а также художники, упомянутые выше.

Имена К.Коровина, И.Грабаря часто упоминаются, когда говорят о русской

ветви французского импрессионизма. Живопись Коровина во всем ее объеме-

пейзаж, портрет, натюрморт несет в себе живое, непосредственное чувство

общения с натурой. Цвет в его работах чрезвычайно подвижный, живо

передает состояние натуры. Налицо все черты пленэровской живописи с ее

изменчивым, сложным переливом тончайших полутонов. Однако в его

искусстве есть нечто, что позволяет говорить об углублении реалистической

линии в русской живописи. Об этом свидетельствуют его работы: «Розы и

фиалки,

«Гвоздики

и

фиалки

в

белой

вазе».

Вдохновляющим началом творчества Коровина всегда оставалась натура во

всем богатстве ее проявлений. Темами его натюрмортов служат природные

формы: цветы, фрукты, овощи, рыба, все, что несет в себе живое дыхание

жизни. Он пишет их в различной обстановке и каждый раз обнаруживает

удивительно цельное, оптимистическое восприятие мира. Ему свойствен

редкий дар извлекать из палитры такие сочетания цветовых оттенков,

которыми он мастерски передает красоту и нежность хрупких цветов,

сложные состояния освещения. При этом показываемые им предметы не

утрачивают своей материальной конкретности: рисунка, контура, объема.

Развивая по существу принципы пленэрной живописи, предложенные

импрессионистами, Коровин оставался вполне самостоятельным в оценке

природной формы: движение цвета в среде строило изображение предмета.

Отметим и другую важную черту искусства Коровина – его стремление к

картинному видению. Натюрмортам этого мастера присуща строгость,

продуманность

композиции.

Всегда

в

натюрморте

имеется

центр

композиции, через который мы воспринимаем все богатство живописной

среды.

Такое же стремление преодолеть ограниченность метода импрессионистов

характерно для работ И. Грабаря. В своих лучших, созданных в 1905 – 1907г.,

он развивает идею материальности предметного мира. К числу этих работ

принадлежат

«Хризантемы»,

«Неприбранный

стол»

.

Значительная роль в расширении возможностей натюрморта принадлежит

художникам, входившим в объединение «Бубновый валет»- И.Машкову, П.

Кончаловскому, А. Лентулову, А.Куприну. Пройдя сложный путь поисков в

области

живописной

формы,

они

пришли

в

советское

искусство

сложившимися мастерами. Их творческие устремления были направлены на

то, чтобы активно участвовать в строительстве новой жизни. Революция

открыла перед ними широкие возможности, дала живой, идейный материал

для воплощения в искусстве. Ряд натюрмортов, написанных в этот период,

свидетельствуют о формировании нового содержания в натюрмортах. Тема

строительства социализма прочно входит в искусство. Так, в натюрморте

«Селедка» , написанного Петровым – Водкиным в 1919г., наметилась главная

линия творчества художника: правдиво, без прикрас, рассказать о событиях

современной

жизни

суровым

языком

правды.

В том же 1919г. И.Машков пишет «Натюрморт с самоваром»- своеобразный

образ-представление,

навеянный революционными преобразованиями в

стране. Художник стремится найти эстетическую ценность в предметах

индустриального

общества.

Проходит время, положение в стране стабилизируется. Люди охвачены

трудовым порывом,

оптимизмом. Переживают

подъем

и

художники.

И.Машков пишет в это время свои лучшие натюрморты: «Снедь московская.

Хлебы», «Снедь московская. Мясо, дичь» и другие, в которых стремится

выразить

все

привлекательные

стороны

продуктов,

по

которым

истосковались

люди.

В натюрмортах 20-30г. Проявились лучшие черты таланта Машкова: реализм

изобразительного языка, полнота выражения темы, чуткость наблюдения

современной

жизни.

Таким же цельным, заинтересованным отношением к миру окружающей

действительности отмечено творчество П. Кончаловского. В довольно

большом наследии встречаются натюрморты небольших размеров, «Зеленая

рюмка», и большие монументальные полотна, «Натюрморт с окном».

В творчестве советских художников старшего поколения натюрморт обрел

черты

самостоятельного

жанра,

который

и

по

содержанию,

и

по

художественной форме занял равноправное со всеми другими жанрами

положение в искусстве. Натюрморт встал вровень с сюжетной картиной, где

поднимались

темы

большого

идейного

содержания.

В последующем развитии натюрморт значительно пополнился новыми

темами, интересными стилевыми особенностями. В нем находят отражение

характерные черты современной жизни, достижения науки и техники.

Стремление полнее выразить тему заставляет художников создавать циклы

живописных работ, например, Ю.Пименов- серии полотен «Вещи каждого

дня»,

«Вещи

людей»,

«Старые

и

новые

вещи».

В последние десятилетия в жанре натюрморта начинают работать многие

молодые художники. Всероссийская выставка «Натюрморт» 1975г. Показала

не только массовость жанра, но и широкий охват тем. Не порывая связи с

современной действительностью, художники обращаются к опыту истории

искусства, внимательно изучают смежные жанры. Другим источником

является изучение произведений народного творчества, изучение опыта

предшествующих

поколений.

В

течение

долгого

времени

развивался

натюрморт

как

жанр

изобразительного искусства. Не всегда он сопутствовал общему ходу

развития изоискусства. Натюрморт переживал подъемы, а иногда совсем

сходил со сцены. К настоящему времени у натюрморта как вида изоискусства

сформировались

свои

характерные

черты

и

особенности.

1.3

Композиционные

особенности

натюрморта.

Особенности образов натюрморта, передающие через неодушевленные

предметы

черты

и

характеры

людей,

времени

является

основной

композиционной деятельности художни в этом объективно не существует, он

придумывается, составляется, компонуется, специально, для того чтобы быть

изображенным.

При

этом

неважно,

что

он

может

иметь

вполне

жизнеподобный

реальный

вид.

Вся композиционная работа сосредотачивается на вопросах размещения

натюрморта в пределах картинной плоскости. В зависимости от характера

натюрмортной группы ее высоты и ширины, глубины пространства, степени

контрастности предметов по величине и цвету определяется формат и

размеры

плоскости,

положение

композиционного

центра

находится

тональное и цветовое решение, ведутся поиски наиболее оптимальной

композиции,

в

которой

найдут

свое

решение

вопросы

равновесия,

пропорциональных отношений. В организации композиции, используют

различные

виды

ритмов

-

линейные,

тоновые,

цветовые.

Особую роль играют контрасты. Выделяя те или иные участки изображения,

они делают их то более заметными, то затухающими. Произведение,

построенное на ели заметных колебаниях света и тени без определенных,

акцентирующих внимания зрителя «вспышек», кажется однообразным,

монотонным, лишенным живописной выразительности. Резко звучащие

контрасты создают напряжение, динамику, в противоположность симметрии,

динамическое изображение строится на резких сдвигах центра к композиции

к оси картинной плоскости. В этих случаях ритмы направлены на

достижение

зрительного

равновесия

масс.

Ритм

организует

изображение.

Заложенный

в

структурную

основу

натюрморта, он создает зрительный каркас, который руководит нашим

восприятием. Зрительно сопоставляя одни элементы изображения с другими,

мы выделяем главные из них и сосредотачиваем на них внимание.

Вопросы формата в своей основе зависят от замысла, а он, в свою очередь

выражает характер группировки предметов, ее пропорции. К тонкостям

поиска формата относятся выяснения величины свободных мест слева и

справа, снизу от группы предметов. Замысел в натюрморте подсказывает

характер решения пространства в натюрморте. Это связано с особенностями

цветного строя. Характер пространственного решения связан также с

количеством

относительно

свободного

места

слева

справа.

Как правило, в натюрморте, основную группу предметов располагают на

втором пространственном плане, где находится сюжетно композиционный

центр. Целью достижения, взаимосвязи композиции группы предметов с

форматом является ритмическое решение картинной плоскости, чередование

пятен, пауз, уравновешенность картинной плоскостью с определением

смыслового композиционного центра, размещение второстепенных частей, с

поиском

цветовых

и

тональных

контрастов.

Так же эффекты решения композиции как в натюрморте, создаваемом на

основе замысла, так и при работе специальной натурой постановки зависит

от

необходимости

учета

разных

уровней

зрения

и

особенностей

перспективного построения. Различные уровни зрения на постановку дают

возможность

художнику

увидеть

наилучший

неожиданный

вариант

композиционного

решения,

несущий

в

себе

новизну

эстетического

восприятия

известных

предметов.

Картинная плоскость может решаться как декоративная композиция, где

необходимо сохранить впечатление плоскости, и цвет играет главную роль. В

этом случае необходимо обратить внимание на характер цветового решения,

на силу его эмоционального воздействия. Цветовое решение композиции

натюрморта может быть в теплом или холодном состоянии..

1.4 Художественные материалы и техники, используемые при изображении

натюрморта.

Как правило, безразличное отношение к художественным материалам

отрицательно сказывается не только на конечном результате, но и на ходе

ведения рисунка. Необходимо, приступая к работе, знать технические

возможности

различных

художественных

материалов.

Изображая

натюрморт, пользуются как графическими материалами, так и живописными.

Выбор

различных

графических

материалов

в

работе

над

рисунком

натюрморта должен быть обусловлен как степенью подготовленности

рисовальщика,

так

и

учебно-творческими

задачами,

решаемыми

в

конкретной

натурной

постановке.

На начальной стадии обучения приемлемым является графический карандаш.

Он хорошо ложится, держится и удаляется резинкой, что важно при

исправлении ошибок. Из всех графических изобразительных материалов

карандаш дисциплинирует детей, позволяет тщательно прорабатывать как

крупные, так и мелкие формы. Существуют карандаши различной степени

твердости и мягкости (твердый, мягкий, средний). Для карандаша наиболее

приемлемой является техника работы штрихом, которая заключается в

обработке формы сравнительно короткими линиями различной толщины и

силы тона. Выразительность штриха, его возможности зависят от приема

работы карандашом. Немаловажные значения при работе карандашом имеет

резинка.

Хорошее

качество

резинки

определяется

ее

мягкостью.

Среди всех рисовальных материалов обожженный древесный уголь является

наиболее подвижным и выразительным материалом. Он позволяет быстро

устанавливать в рисунке основные тональные отношения. Уголь также

обладает достаточно большим тональным масштабом, что дает возможность

добиваться в рисунке не только светотеневых нюансов, но и передавать

воздействующую среду, материальность предметов. Прием – концом

угольной палочки намечается абрис формы предмета. Следующий этап-

установление в рисунке больших тональных отношений. Снятие угля с

бумаги и проработку света ведут размятым мякишем белого хлеба. Также

применяется прессованный уголь, который дает более густой, бархатистого

оттенка,

тон.

Сангина – материал минерального происхождения. Искусственная сангина

изготавливается из порошка окиси железа и специальной глины. Техника

работы сангиной близка к работе углем. При выполнении рисунков

натюрморта принято работать комбинированным способом, сочетая ее с

углем.

Работа

над

натюрмортом

выполняется

различными

живописными

материалами.

Акварельная живопись: акварель – водяные краски, от латинского agua -

вода. Бывает твердая - в плитках, полумягкая в чашечках, мягкая - в тюбиках.

Основное свойство акварели – прозрачность красящегося слоя. Это свойство

следует учитывать и при наложении одного цвета на другой. Высветление

насыщенного тона происходит путем разбавления акварели водой. Живопись

акварели построена на том техническом приеме, что сначала на бумагу

наносят светлые тона красок, оставляя блики не закрытыми, затем

постепенно вводят насыщенные цвета. В процессе изучения акварели на

первоначальных этапах следует избегать постановок из предметов с очень

темной

окраской.

Работа

акварелью

характеризуется

чистотой,

прозрачностью

и

интенсивностью красочного слоя и возможности передавать тончайшие

оттенки цвета. В акварельной живописи используется четыре способа

работы:

Гризайль – одноцветная живопись в нейтральных тонах.Эта техника

подходит для выполнения начальных упражнений по освоению методики

работы акварельными красками, по изучению свойств и особенностей

изобразительных материалов, закономерностей светотени и общего тона

предметов

натуры.

В этой технике нужные тональные градации по форме предмета достигаются

наложением краски сразу в полную силу, т.е. для каждой поверхности

рисунка или даже для каждого мазка, составляется свой раствор краски.

Красочная смесь готовится на палитре. Повторные прописки можно делать

как по просохшему, так и по влажному красочному слою. Работу вести

лучше

от

темного

к

светлому.

Лессировка – многослойная живопись, основанная на использовании

прозрачности краски и свойстве изменять цвет при нанесении одного

прозрачного слоя краски на другой путем оптического сложения цветов .Но

необходимо

соблюдать,

чтобы нанесенный красочный слой

высыхал

окончательно, и наложений было не более трех слоев. Только с этим

условием достигается глубина, чистота и насыщенность цвета. Каждый мазок

краски наносится сразу на место, не двигая кистью по одному месту

несколько раз, чтобы не нарушить фактуру бумаги. Метод лессировки

используется

в

длительных

по

времени

натюрмортах.

«Алля прима» (alla prima) – живопись в один прием, без предварительных

прорисовок и подмалевка. Все цвета берутся в полную силу, использую

механическое смешение красок. Цвета получаются свежие и звучные.

Данный метод чаще всего используется для эскизов, но имеет место и в

самостоятельных

работах.

Четвертый метод письма акварелью – «по сырому». Мазки накладываются на

увлажненную бумагу без предварительного рисунка в полную силу,

используя механическое смешение красок. Чтобы бумага быстро не

высыхала,

ее

кладут

на

влажную

фланелевую

ткань,

либо

стекло.

Окончательная прописка переднего плана идет уже по просохшему слою.

Фактура бумаги имеет немаловажное значение в акварельной живописи.

Шероховатость, зернистость бумаги придают акварели особую живописную

выразительность, богатство цветовых оттенков. «Сочный» мазок краски,

положенных на такую поверхность, стекая с бугорков, несколько светлеет на

них, а накапливаясь во «впадинах» (порах) зернистой бумаги, темнеет. В

результате свет, падая под тем или иным углом к поверхности бумаги,

создает

дополнительную

игру

цветовых

оттенков.

Гладкие, глянцевые сорта бумаги малопригодны для работы акварелью. На

гладкой поверхности бумаги краска ложится плохо, скатывается. При

повторных перекрытиях она, размокая, смывается кистью. Непригодны для

живописи акварелью и тонкие, рыхлые сорта бумаги. Рыхлая бумага быстро

впитывает воду из положенного мазка краски. В результате образуются

пятна,

цвета

с

жесткими

краями.

Для работы акварелью лучшими являются кисти из волоса колонка, белки,

пони. Они обладают мягкостью и эластичностью и в то же время прочны,

упруги. Хорошей кистью для акварели считается та, волоски которой, если

их смочить водой и встряхнуть вниз, собираются вместе в конусообразную

по форме массу с острым кончиком. Нужно иметь три четыре кисти разных

размеров. Большие кисти нужны для заливки крупных плоскостей, а

маленькие

для

проработки

мелких

деталей,

уточнении

рисунка.

Палитра для живописи акварелью должна иметь чистый белый тон.

Подбираю на палитре нужный цвет, рисующий соотносит его с тем, как он

будет звучать на белой поверхности бумаги. В качестве палитры можно

использовать белые керамические плитки, тарелки, пластмассовые палитры.

Обычно учащиеся в качестве палитры используют бумагу. Однако бумага,

особенно мягких сортов, для этих целей не пригодна. От воды она быстро

размокает,

в

красочную

смесь

попадают

частички

бумаги,

которые

загрязняют,живопись.

Список

используемой

литератур

1.

Алтапов

М.В.

«Всеобщая

история

искусств»

-

М.,1948

2. Бим-Бад Б.М. «Педагогический энциклопедический словарь». - М., 2002.

3. Бурчик А. И. «Методика работы над натюрмортом» - Гродно, 2001

4.

Виффен

В.

«Как

научиться

рисовать

натюрморт»

пер.

с

англ.

И.Гиляровой.-

М.,

2001

5. Выборнова Г. «Роль освещения в натюрморте» – Художник, 1984.

6.

Евтых

С.

Щ.

«Живопись

натюрморта»

-

Оренбург,

2003

7. Калитина Н. Н. «Французский натюрморт от Шардена до Пикассо» - М.,

1997.

8.

Никодеми

Г.

Б.

«Техника

живописи»

-

М.,

2002

9. Паррамон Вильясало М. «Как писать натюрморт» пер. с англ. Траскин В.–

Москва,

2000.

10. Яшухин А. П. «Живопись» - М., 1985.